电影技术革命之一:历史
电影是物理和化学时代的产物.暴光是光学过程,连续运动是机械作用;胶片和显定影是化学反应;录音是磁性的,也诞生于十九世纪后半期的大发现.
我们的时代早已进入电子,生物化学等领域.二十世纪才诞生的科学成果对生活的渗透,超过大家的了解.有谁知道大部分西红柿和食用葡萄种子的前辈是转基因手术的结果 谁能说清鸡肉失去了以前的味道是因为工业化饲养中往饲料中添加了什么未名的成分
而电影数十年原地踏步.数十年如一日,暗房中药液锈蚀着显影槽,剪接台靠手柄转动,声画依赖打板同步,其原始如同汽车和飞机发明之初. 电影技术在有声片诞生后徘徊了三十年.大家把精力放在同期录音设备的小型化上.其间只有个别如《公民凯恩》对镜头制造的特殊贡献,但只是精英文化,无法普及.后来录音设备的小型化与摄影机的轻型化几乎同时完成,两者都把自身的噪音降到很低.结果在五十年代出现了新现实主义和新浪潮电影.
电影依然需要进步.部分发明和改进只关系到电影人自己工作的方便,比如安全片取代塞璐璐,镝灯使日光条件下工作更方便.观众需要的进步必须直接影响到观赏.
后来一轮改变的压力来自电影之外.先从声音开始.七十年代,高保真音响普及,音乐会普及.听过现场音乐会的人不满意影院效果.杜比才大行其道,卢卡斯搞出个THX系统(到目前大陆还没有影院装备THX系统).
有音乐会现场录音经验的混音师进入电影领域时,其不满意很好理解.剪接台上有三道声音,对白经常占去两道.
而且,经常由同一个人剪画面和声音,这个剪接师必然主要关注画面.
于是,首先大家努力争取有两个剪接师,一个只管画面,另一个只管声音(这一制度从来没有在大陆实行过).其次,录音师或混录师可以在声音剪接阶段介入工作.他们对设备的不满和改进是电影第一次真正引用个人化,复杂的电子设备,他们在八十年代中开始使用改造过的音乐会设备剪接声音或做混录的准备工作,使用简化的宽带多轨装备,比如24轨,而不是3轨.
电子设备的小型化,个人化一旦介入后期制作,其趋势不可阻挡.画面剪接变为非线形的,配光可以是电子过程.洗印厂的工作简化,从印工作拷贝到负片剪接之间的所有工序都可省略掉,交由电脑完成.
现在的欧洲,没有故事片还上传统剪接台的,连60岁不会打字的老导演都买了后期设备自己在家里玩.大部分在APPLE机上用AVIDE和FINAL CUT剪,少部分用ADOBE和MEDIA 100.这后两种软件系统在大陆很普及.
只是整套设备加软件的价格大陆还略高,这里可以买到合六万元人民币的,大陆还要八万左右.大概的配置是APPLE17或21彩显,AVID或FINAL CUT,32G硬盘.如果不是自己玩,要剪整部作品,公司里大都还购置二十万或以上的设备.
但是,电影最关键的部分,拍摄,几乎原封不动.柯达胶片照样在摄影机里转,每十分钟必须换盒;同期录音有人改用DAT,但工作方式与用NAGRA没有差别.还在打板,还要等待灯光师们把灯都布好,还要缠绕在照明,录音,回放,电瓶等无数根电缆之间.
电影是不是夕阳工业 电影什么时候能够进入后工业时代
电影技术革命之二:DV的技术缺陷
有人拿DV拍电影的那天起,电影摄制的风景才改变了.
摄制人员可以很少,碍事的电缆都不见了,一块好电瓶可以用一整天,一盒磁带可以拍一天.画面和声音在同一素材带上,可以不打板,灰板和小拷贝都被省略掉,随时可以看样片.自然光被更充分地利用,远离主体的声音录不下来.演员的潜力突然有了一个新空间和时间,连贯表演和自由活动的可能性都比以前大,对演员的职业性要求相对降低.
但是,DV作为录象的质量特点也都会进入最后产品.典型的有色彩失真,对比被强化,暗部和亮部的纹理丧失掉,焦点会犹豫等.
每个技术缺陷都可以引来长篇,长期的争论,而且争论往往从技术层面上升到艺术和美学层面.这里单讲我个人对 色彩再现的看法.
我们对视觉产品的经验已经非常固定,主要来自柯达胶片.胶片最擅长的是饱和色.生产厂家(现在全世界只有柯达和富士两家)关注的是最纯的颜色能否还原.比如照片,印出来经常比肉眼的感觉更亮丽.柯达很强调不同色区之间的明确界限,比如黄就是黄,桔黄就是桔黄.其实,经过柯达的百年努力,我们的因循守旧和难于创新,我们已经习惯特别鲜艳,光谱单纯的色彩.中间色的,褪色效果的,比较难办,也经常在电影中被视作比较难看的.
比如大陆第五代高质量的电影强调很纯的黄,红,第四代电影中干干净净的蓝,绿.国际上所有对画面非常有感觉的大师们,如安东尼奥尼,斯特拉罗,王家卫,都在找最饱和的颜色.请回忆一下《红色沙漠》,《末代皇帝》,《阿飞正传》.在我们看得到的优秀影片中,很少看到未 名的颜色.
柯达一统天下之前,彩色胶片经过很多其它努力.比如电
影的发明人卢米埃尔兄弟就曾一再实验彩色胶片.他们受印象派的影响,尽量做褪色效果,中间色非常多.结果照片如印象派的绘画,很多颜色难以定义.早期其他人实验的彩色片常有类似的情况.
卢米埃尔的彩色照片可能强调的是光线的瞬间效果,而柯达胶片强调的是光线中最永恒,最干净的层面. 在这一色彩还原倾向的单向发展过程中,所有拍电影的人都不是无辜的,甚至所有拍照片,看照片的都有份:消费者在鼓励制造商发展色彩纯净的胶片.
技术问题大多可以依此类推.ILFORD鼓励纹理的无比细腻,暗部和亮部的清晰.德国造镜头强调少损失光线,不要镜头内的干扰,就是光线到达胶片时越干净越好. 但是,这毕竟不是我们世界的全部.我们的生活在大多数时候灰蒙蒙,颜色惨淡不清,光线纷扰,亮度时而过强时而过弱.
说不定有一天,我们看二十世纪后半叶的影片,恍若隔世,如同现在看40年代在摄影棚中用50盏照明灯打出来的明星面孔:太美了,太假了.
所以,从道理上来讲,DV的所有技术缺陷都不是致命伤.关键还是拍出来的东西.
任何技术缺陷都可能成为创作的出发点.任何技术便利都可能成为创作的陷阱.颜色失真可能会强调生活残酷的感觉,过多的推拉可能使观者注意力无法锁定被拍摄的主体(创作者老推拉的话,也说明他还没搞清楚镜头中的主体是谁,是什么).
电影技术革命之三:DV制作前期光线篇
DV的画面质量,就录象来说,是无可挑剔的.只要后期处理得当,看不出与BETA的差别.拍摄时需要小心处理的是声音,尤其如果想使用同期声的话.
画面上要注意的,有几个关键点,本篇先谈光线.
光线:
尽量在充足的光线中拍摄.充足的光线使颜色绝少失真.尽量在日光中拍摄.日光中颜色比较自然.
大部分DV机配有标准色温,分为日光,灯光等数档.但同时都有黑白平衡.不要完全相信标准色温.先比较一下标准色温下的饱和色与白平衡后的标准色有无差别.在特殊光线条件下,比如自己打光,照明设备并非专业的,光源非标准色温,或干脆光源色温不稳定(如家用日光灯,根 据使用时间长短和厂家的不同,色温差能达到1 500K),一定要事先试一下颜色.最规矩的办法是老式的,如果手边有标准色板最好.没有的话,比较任何一均匀的标准色都可以.比如BENATTON牌的服装一般是涩面均匀单纯的颜色.即使需要古怪的颜色,也该事先知道颜色会古怪成什么样子.
混合光源的情况下,要避免使用色温自动档.自动档可能在你摇镜头或推拉时改变色温,使局部颜色产生变化.日光与灯光混合时,建议尽量用日光档.不同色温的交叉人造光源下,钨丝灯色温比较稳定,可用来先做黑白平衡;拍摄时也要保持固定档,使颜色不至于在移动时闪动.
避免对比过分强烈.习惯拍照片,对照相机光圈比较熟悉的人必须记住DV的光圈与拍照片完全是两回事.杜绝4个光圈以上的对比.尤其在画面区域变动中(推拉,移动,摇),避免室内,室外等强对比.
开拍之前确定光圈.避免镜头内变动光圈.万不得已要变,要果断,一步到位,绝不要来回找.每次镜头内变光圈都可以算作技术失误.
避免使用GAIN.日景中局部再暗也要避免GAIN,否则与整体不协调会很难看.夜景情有可原,较短的气氛,过场镜头无所谓,长时间,有人物甚至有采访的画面,最好有补充光源以避免使用GAIN.每个用GAIN的镜头都必须当作一种特殊效果,而不是正常手段.
如果用灰片(ND),在同一场戏中不要用不同值的灰片,否则后期接不上.比如人物正面背景和反面背景反差太大的话,肯定有一个方向不用拍.如果两个角度一个用灰片或GAIN,另一个不用,接在一起看起来会象画外有个强光源时明时灭.
夜景中,减少直接光源.DV机器镜片组合过于复杂,例如 XL1有15层镜片,号称都涂上了吸收内部反射的涂料,但所有DV机在镜头内仍会有互相干扰的情况.典型的是自动将点光源变成星状效果,光源移动时后面拖上长长的尾光.由于夜景直接光源不可避免,建议尽量拍固定镜头,这样起码没有尾光.
电影技术革命之四:前期之焦点焦距篇
DV机的拍摄在画面上还要注意以下的方面: 稳定性:DV机太小,使用太方便,大部分人拿起来就拍,所以与大型机相比,画面常有过分的抖动.抖动本身无罪,但必须服从影片的需要,有时候内容不需要抖动.因此:
避免长焦距.没有人能手持在100毫米以上的焦距保持稳定画面.几乎所有DV机都配有画面稳定器(STABILISER),不要经常使用.每次使用后,不要忘记关掉.所有摇镜头时,稳定器不可靠.最可怕的是长摇与长焦的结合.
大型机的吃重部位在肩部,手掌握平衡.DV机吃重多在腕部,前臂的力量和肘部柔韧性很关键.请尝试在剧烈抖动的汽车中站着端平一碗水,如果不洒出来,你就可以拍DV 了.
摇之前关注一下水平和垂直线.手持的情况下,水平完全是个人的感觉,拍得很快的情况下,摇起来容易忘掉.即使你需要的是动感,动感也是在对水平和垂直线的反抗中获得的.
焦距比较长或摇比较长的时候,尽量倚靠外物以增强稳定性,如路边的树,电线杆,将肘部放在桌面上,左手托住机器等.倚靠外物时由于身体平衡感丧失,容易忽视水平,请注意一下地平线.
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